https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3327 Sous la direction de Kiki Lindell & Isabelle Schwartz-Gastine Date de publication électronique : 30 novembre 2018 Informations sur cette image Crédits : Kiki Lindell Français Ce volume retrace l’histoire des performances et des adaptations contemporaines de Much Ado About Nothing, de l’étude académique à la scène et au cinéma. Issu d’un symposium de 2017 à Lund, il met en lumière l’engagement des étudiants et metteurs en scène avec les personnages, le texte et la dynamique théâtrale. English This volume traces the performance history and contemporary adaptations of Much Ado About Nothing, from academic study to stage and screen. Originating from a 2017 Lund symposium, it highlights how students and directors engage with characters, text, and theatrical dynamics. Shakespeare en devenir https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3367 fr sam., 28 févr. 2026 15:04:56 +0100 sam., 28 févr. 2026 15:51:41 +0100 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3327 0 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3341 Kenneth Branagh’s film (1993) and Joss Whedon’s (2012) are the two main big screen adaptations of Much Ado About Nothing. One of the main issues at stake in this paper is related to the question of genre or the difficulties in representing on screen a play deemed to be a “festive romantic comedy” by critics like Northrop Frye, Cesar L. Barber and Michael Edwards, but nonetheless featuring many ambivalences or oscillations from the sheer comic to more serious, sombre, if not semi tragic mode. As Edwards explains, Shakespeare’s “comedies of wonder” are basically structured according to a symphonic pattern — first, the allegro movement illustrating the mood of mirth or the merry, as related to the courteous comedy of wit or merry war of words; the second introducing chaos and illustrating the sombre vein (Don John’s plots and malevolent calumnies); and the third representing the miraculous return to mirth and the full restoration of the moral order eventually leading to a happy ending. Modern cinematic means and, in Branagh’s version, explicit borrowings from Hollywood codes and conventions (30s’ screwball comedies, slapstick and comic gags) perfectly fit this pattern and prove particularly effective for transposing the essential spirit of the festive comedy. A comparative approach will allow us to analyse the different stances in terms of narrative construction (or deconstruction), verbal-visual shifts, displacements or extrapolative flashbacks, contextualisation effects and aesthetic strategies in terms of mise en scène (play-acting, frame compositions) and cinematography (camera angles, viewpoints or movements, light, sound, montage). This comparative approach will also allow us to highlight different aesthetic approaches, from a semi realist, semi filmic interpretive mode for the first to a more distanced and post-modern stance often verging on film noir genre for the second. Finally, addressing narrative, thematic and aesthetic issues may enable us to assess which version is most effective in terms of the successful adjustment to Shakespearean comic tropes and patterns as well as cinematic achievements. Cette étude sur les deux principales adaptations de Much Ado About Nothing pour le grand écran, celle de Kenneth Branagh (1993) et celle de Joss Whedon (2012) vise à cerner certains des enjeux narratifs, idéologiques et esthétiques opératoires dans le processus d’adaptation. La première question est celle du genre et de la difficulté inhérente à l’adaptation de ce (sous)-genre spécifique qu’est la comédie romantique festive telle que définie par les critiques Northrop Frye, Cesar L. Barber ou Michael Edwards, lequel, quant à lui, voit ce qu’il nomme la « comédie de l’émerveillement » comme essentiellement structurée sur un mode symphonique en trois temps ou trois tempos, le premier, traduisant le mode de l’allégresse ou de la gaîté (mirth, merry), le second illustrant la rupture de l’harmonie, l’irruption du chaos et l’introduction de la veine sombre (la fiancée calomniée par les complots de Don John) et le troisième marquant le retour inopiné de l’allégresse par un événement impromptu, miraculeux, menant à l’heureux dénouement final. Nous tenterons de montrer en quoi l’utilisation des codes hollywoodiens, les multiples références et emprunts aux « screwball comedies » ou comédies sophistiquées des années 30 ou à la tradition du Slapstick (burlesque, farce), chez Branagh notamment, sont à même de permettre la pleine restitution de l’humeur joyeuse et se conforme parfaitement à ce schéma tripartite. Une approche contrastive nous permettra de mettre en évidence les effets (ou manières) de mise en contexte, les choix en matière de construction narrative ou de déconstruction − déplacements, flashbacks et extrapolations (Whedon) et de discuter les choix esthétiques ici radicalement différents en terme de mise en scène et de cinématographie, la première adaptation relevant d’un mode semi réaliste, semi poétique, alors que la seconde, plus distanciée, emprunte aux codes post modernes et au genre du film noir. En définitive, laquelle de ces versions traduit au mieux les tropes de la comédie festive y compris dans ses oscillations, et peut-on aller jusqu’à risquer une évaluation, voire une distinction entre le plus spécifiquement ‘shakespearien’ et le plus cinématique ? sam., 28 févr. 2026 15:25:16 +0100 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3341 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3338 This paper focuses on the bodily presence, expression and exultation that become so significant in Branagh’s 1993 screen adaptation of Much Ado About Nothing. It analyses how his filmic aesthetics of sensuality is achieved, first, with camera movements, editing and film techniques – such as close-ups, slow motions, crosscuttings and dissolves – and, second, with the introduction of symbolic elements absent from the Elizabethan script, like the baroque motif of water. Finally, the paper examines how this aesthetics is enriched by varied allusions to paintings (The Happy Accidents of the Swing), light operas (Véronique) and musicals (Singin’ in the Rain), which create artistic echoes and palimpsest effects, and suggest additional layers of bodily exultation – whilst also introducing critically ironical glances. Cet article s’intéresse à la présence du corps, plus particulièrement à son expressivité jubilatoire, dans l’adaptation cinématographique que Branagh fait de Much Ado About Nothing en 1993. Y est analysée l’esthétique de la sensualité que crée le cinéaste à l’aide de plans rapprochés, de plans alternés, de ralentis et de fondu-enchaînés, et que renforcent le motif baroque de l’eau et son symbolisme – absents de la pièce de Shakespeare. Il s’agit également de montrer comment cette esthétique s’enrichit de références artistiques variées, telles que la peinture (Les hasards heureux de l’escarpolette), l’opérette (Véronique) et la comédie musicale (Singin’ in the Rain), créant ainsi un jeu d’écho, un effet de palimpseste qui donne davantage de relief à la jubilation des corps – tout en introduisant une certaine ironie. sam., 28 févr. 2026 15:24:39 +0100 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3338 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3345 Much Ado About Nothing, in its display of the “merry war” between the sexes, alters in tone shifting between comedy and tragedy. The play brings together two sets of lovers in an aristocratic, elegant setting and the main action is regulated by masking, acting, eavesdropping, and spying. The conventional romantic relationship between Hero and Claudio is unsatisfactory to modern audiences with its submissive and slandered female character reconciling with her patriarchal fiancé without providing a proper denouement. The relationship between Beatrice and Benedick, marked by wit and satire, is more relevant to modern audiences, in its display of unconventional discussions of love and marriage. Tragic potential surfaces in a hierarchical society with gender injustice in the face of male sexual jealousy. Two relatively recent productions, Josie Rourke’s theatre production filmed live at Wyndham’s Theatre (2011) and Joss Whedon’s 2012 film production, offer different readings of the potential controversy in the play. While both productions rely on the tragic elements inherent in the play, Rourke’s production promotes the lighter elements of the play in a more festive atmosphere while Whedon’s dwells on its darker sides. This paper evaluates the ways in which these two productions appropriate the comic and tragic aspects of Much Ado About Nothing. sam., 28 févr. 2026 15:26:54 +0100 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3345 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3330 The article argues that despite Shakespeare’s skill at redeploying the familiar narrative materials which inform the main plot of Much Ado About Nothing, and despite its reputation as Shakespeare’s most well-made and thus perennially assimilable comedy, it presents three perhaps insoluble problems for modern producers. One is its depiction of sexual mores which no longer officially prevail among Western theatregoers, which has encouraged directors to set the play in a harmlessly picturesque past – a strategy which transforms the plot of Hero’s defamation from an edgy exposé of the perils of patriarchal marriage into a piece of harmless and perhaps even nostalgic escapism. Another is its handling of Margaret, the maid who agrees to dress in Hero’s clothes and speak with Borachio at Hero’s window the night before the wedding: only careful misdirection of the audience’s attention can allow audiences not to notice the inconsistency of her behaviour and the surprising willingness with which she is exonerated. The ghost character of Innogen, Hero’s non-speaking mother, only foregrounds these problems, and the article concludes by looking at one modern production which tried in some measure to reincorporate her. Cet article montre que, malgré l’habileté que Shakespeare déploie à retravailler les sources narratives bien connues qui parcourent la trame principale de Much Ado about Nothing et malgré la réputation qu’a cette pièce d’être la comédie la mieux construite lui permettant d’être en phase avec toutes les époques, elle présente trois problèmes sans doute insolubles pour les metteurs en scène de notre temps. Le premier concerne les mœurs amoureuses qui n’ont plus cours parmi les spectateurs occidentaux, ce qui a conduit certains metteurs en scène à situer la pièce dans un cadre passéiste aux tonalités pittoresques et insouciantes – stratégie qui transforme l’intrigue concernant la diffamation de Hero, exposé délicat sur les périls encourus lors d’un mariage dans une société patriarcale, en une histoire inoffensive et sans doute même, nostalgique. Le problème suivant est le traitement de Margaret, la servante qui accepte de revêtir les vêtements de Hero et de se tenir avec Borachio à la fenêtre de Hero la veille de son mariage : seul un décentrement efficace de l’attention des spectateurs peut leur permettre de ne pas remarquer l’incohérence du comportement de Margaret et l’empressement surprenant avec lequel elle est acquittée. Enfin, le personnage fantôme d’Innogen, la mère de Hero à qui Shakespeare n’a pas donné de réplique, ne fait que mettre en lumière ces problèmes. En conclusion, l’article se penche sur une mise en scène moderne qui essaie, dans une certaine mesure, de la réintroduire. sam., 28 févr. 2026 15:22:57 +0100 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3330 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3342 In the former Soviet Union, the plays of Shakespeare were more popular than anywhere else in the world. Theatres all over that vast country produced frequent performances of the comedies and the tragedies. But in the cinema, although a number of Shakespeare films were made by Soviet film makers, with a very few exceptions the plays chosen were the comedies. This is completely at odds with the filming of Shakespeare elsewhere in the world, where the vast majority of films was based upon the tragedies. One play in particular was filmed more frequently than all the others. Much Ado About Nothing was filmed three times in twenty-three years in Russia, and when a fourth film, made in East Germany is added, Much Ado About Nothing on its own represents a significant proportion of the Shakespeare output of the former Soviet Bloc. Why was Much Ado About Nothing so popular? Why not Twelfth Night, A Midsummer Night’s Dream or As You Like It? The author examines the 1956 and 1973 films of Mnogo Shuma Iz Nichego, the 1964 film Viel Lärm Um Nichts and the 1983 version Lyubovyu Za Lyubov and tries to explain why this one play above all others should exert such a fascination for Soviet Bloc film makers. En Union Soviétique, les pièces de Shakespeare furent plus célébrées que nulle part ailleurs au monde. Des théâtres situés sur toute l’étendue de ce vaste pays montaient fréquemment les comédies et les tragédies. Mais au cinéma, bien qu’il y ait eu certains films d’après des pièces de Shakespeare, à de rares exceptions près, les pièces choisies furent les comédies. Cela allait à l’encontre des choix filmiques dans le reste du monde où la grande majorité des films étaient les tragédies. Une pièce en particulier fut filmée plus que d’autres, Much Ado About Nothing. En Russie, il y eut trois films de Much Ado en vingt-trois ans, et lorsqu’un quatrième film, venant de l’Allemagne de l’Est, fut fait, Much Ado représenta alors une proportion significative de la production shakespearienne de l’ancien Bloc Soviétique. Pourquoi cette pièce a-t-elle été choisie ? Et non pas Twelfth Night, A Midsummer Night’s Dream ou As You Like It ? L’auteur examine les films soviétiques de 1956 et 1973, le film est-allemand de 1983 ainsi que la version russe de 1983 et cherche à expliquer pourquoi cette pièce-ci a tant fasciné les producteurs du Bloc Soviétique. sam., 28 févr. 2026 15:26:26 +0100 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3342 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3331 Alors que Shakespeare a inclus Innogen, la mère de Hero, dans Much Ado About Nothing, les responsables de publication (des hommes pour la plupart) l’ont fréquemment exclue du texte. Elle ne dit rien, mais les personnages silencieux peuvent néanmoins être éloquents (telle la Lavina interprétée par Vivien Leigh dans Titus Andronicus, Stratford-upon-Avon, 1955). En excluant Innogen, les éditeurs ont augmenté et confirmé inconsciemment l’impact du chauvinisme dans Much Ado. Ils ont aussi cherché à faire de Claudio un personnage compatissant selon les conventions, allant à l’encontre de l’intention de Shakespeare d’en faire un personnage indifférent, contrairement aux conventions. Although Shakespeare included Innogen, Hero's mother, in Much Ado About Nothing, editors (mostly male editors) have usually excluded her from the text. She says nothing; but silent characters can still be eloquent (as was Vivien Leigh's dumb Lavinia in Titus Andronicus at Stratford upon Avon in 1955). By excluding Innogen, editors have unwittingly extended and verified the revelation of male chauvinism in Much Ado About Nothing. Male editors have also intended to make Claudio conventionally sympathetic, thus contravening Shakespeare's intention to make him unconventionally unsympathetic. sam., 28 févr. 2026 15:23:30 +0100 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3331 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3349 With the help of reviews and chat forum comments on Kenneth Branagh’s 1993 film and Tamás Puskás’s 2015 staging (Centrál Theatre, Budapest) this paper infers that Hungarian audiences tend to identify Branagh’s version of Much Ado as the « Shakespearean original ». Their reverence towards Branagh/Shakespeare has created a cult resminiscent of the Shakespeare cult in Garrick’s time. These Shakespeare-through-Branagh fans tend to favour traditional productions (such as Puskás’s) over more inventive stage adaptations, simply because they recreate the atmosphere and memory of the film. The mapping of reviews and comments betrays that both the staging and the viewing and consuming practices of Shakespeare(an plays) are more generation-governed than we might first think. The paper thus contributes to the analysing and understanding of contemporary popular reception that can best be described by such notions applied to the contemporary reception of Shakespeare as Zoltán Márkus’s hybridity and Douglas Lanier’s Shakespearean Rhizomatics. À partir des critiques théâtrales et des commentaires de forums en ligne concernant le film de Kenneth Branagh (1993) et la mise en scène de Tamás Puskás (Théâtre Central, Budapest, 2015), cet article montre que les spectateurs hongrois ont tendance à identifier le film de Branagh avec « l’original shakespearien ». Leur admiration envers Branagh/Shakespeare a créé un culte qui rappelle le culte de Shakespeare à l’époque de Garrick. Ces fans de Shakespeare vu au prisme de Branagh ont tendance à privilégier des mises en scène traditionnelles (comme celle de Puskás) plutôt que des adaptations scéniques plus inventives pour la simple raison qu’elles recréent l’atmosphère et la mémoire du film. L’inventaire des critiques et des commentaires montre que la mise en scène tout autant que le film et les habitudes de consommation du corpus shakespearien sont plus générationnelles que l’on pourrait le penser de prime abord. Cet article analyse le succès de cette mise en scène en utilisant des notions élaborées par Zoltán Márkus (l’hybridité) et Douglas Lanier (le développement rhizomatique) pour qualifier la réception du corpus shakespearien à notre époque. sam., 28 févr. 2026 15:46:19 +0100 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3349 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3367 sam., 28 févr. 2026 15:50:08 +0100 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3367 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3329 The article sets out some of the evidence that we have amassed at the Royal Shakespeare Company about the impact that Shakespeare’s language and a pedagogy inspired by rehearsal room practice can have on the attitudes, aspirations and achievement of children and young people. The evidence has been gathered through the RSC’s long-term partnerships with schools and regional theatres across England. Initially this was called the Learning and Performance Network and is now known as the Associate Schools programme. Much Ado About Nothing is used as the exemplar text in the article to illustrate some of the ways we work with students and teachers. Cet article expose certaines des conclusions que nous avons tirées à la Royal Shakespeare Company sur l’influence que la langue de Shakespeare et la pédagogie inspirée par le travail de répétitions peut avoir sur les attitudes, les aspirations et les réussites des enfants et des adolescents. Ces résultats ont été obtenus grâce au partenariat que la RSC entretient depuis longtemps avec des écoles et des théâtres régionaux à travers l’Angleterre. A l’origine, ce lien s’appelait « Learning and Performance Network », à présent il s’intitule « The Associate Schools Programme ». Much Ado About Nothing est utilisé comme texte de référence dans cet article pour illustrer certaines de nos méthodes de travail avec les étudiants et les enseignants. sam., 28 févr. 2026 15:22:36 +0100 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3329 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3328 sam., 28 févr. 2026 15:22:24 +0100 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3328 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3356 Much Ado About Nothing seems to be an amalgam of various motifs typical for the Renaissance, such as masques, despised virtue, father’s anger, mock deaths, untamed female nature, or poisonous slander. The combination of the elements also present in other Shakespeare’s plays, together with his authorial additions, provides the audience with the unique comedy of a double plot: dark and light. It comprises an intriguing palette of masks and decorous accessories, broken hearts and mischievous Cupids, red ears and green snakes. These different oppositions become an established set of motifs, “the stage pictures” as James Black called them, all of which are applied by artists who create theatre posters. In most cases, these artists intend to awake the audience’s appetite and help them to imagine what they may experience during the performance. However, there are other posters which demand much more attention from the viewer when it comes to decoding their message. Such work was produced in 2008 by Lex Drewinski for Wybrzeże Theatre in Gdańsk. A minimalistic poster with a black spider located in the bottom left corner against a blood-red background immediately captures the imagination of the viewer and forces them to think of its inner purpose. The spider is a fertile source of both positive and negative symbolic meanings. Among the former, we can include creativity, protectiveness or well-being; among the latter trickery, entanglement or illusion. One can also analyse it from two other angles: in the context of the iconographical and written traditions of the Renaissance or in that of modern culture in all possible manners: a spider-man, Voldemort’s supporter, Sam’s nightmare (The Lord of the Rings), or a source of irrational fear. Such a poster remains open to an immense variety of interpretations, the number of which is restrained only by the knowledge and fantasy of its viewer. The present paper will focus on the connection between the text of Shakespeare’s comedy and Lex Drewinski’s poster. To work on both, text and image, the comparative method applied by art historians to identify the origins of ideas will be used. The main aim of the paper is to discuss the impact of separated quasi-commercial images, such as Lex Drewinski’s work, on our perception of Shakespeare’s lines. Much Ado About Nothing semble être un amalgame de divers ingrédients qui avaient cours à la Renaissance : masques, vertu méprisée, colère paternelle, nature féminine indomptée ou calomnie vénéneuse. Ces éléments, présents également dans d’autres pièces de Shakespeare et auxquels s’ajoutent des innovations de l’auteur, proposent aux spectateurs une comédie particulière composée d’une double intrigue, sombre et légère à la fois. Elle inclut une palette surprenante de masques, d’accessoires décoratifs, de cœurs brisés et de Cupides malicieux, d’oreilles rouges et de serpents verts. Ces différentes paires opposées forment des motifs conventionnels – « les images scéniques » selon James Black –, devenant source d’inspiration pour les artistes qui créent les affiches théâtrales. Le plus souvent, ces artistes espèrent aiguiser l’appétit des spectateurs et les aider à imaginer ce qu’ils pourraient ressentir durant la représentation. Cependant, certaines affiches n’expriment pas un message clair. Ce fut le cas pour l’œuvre de Lex Drewinski réalisée en 2008 pour le Théâtre Wybrzeże de Gdansk. Cette affiche minimaliste avec une araignée noire représentée en bas à gauche sur fond rouge-sang stimule d’emblée l’imagination, provoquant une réflexion sur son message profond. L’araignée est une source fertile de signifiants symboliques associés à des phénomènes aussi bien positifs que négatifs : créativité, protection, bien-être d’une part, ou bien fourberie, imbroglio, illusion, d’autre part. On peut l’analyser selon deux perspectives : dans un contexte de traditions iconographiques et livresques de la Renaissance ou bien dans la culture moderne sous tous ses aspects : Spiderman, l’allié de Voldemort (Harry Potter), l’angoisse de Sam (Le Seigneur des anneaux) ou la cause d’effroi irrationnel. Une telle affiche peut être une source d’interprétation dont la richesse dépend uniquement de la culture et de la fantaisie de ceux qui la regardent. Cet article explore le rapport entre le texte de la comédie shakespearienne et l’affiche de Lex Drewinski. La méthode d’analyse convoquée est celle des historiens de l’art qui cherchent à identifier l’origine des idées. L’objectif de cet article est d’analyser l’influence d’images indépendantes et quasi-commerciales telles que celle de Lex Drewinski sur notre perception du texte shakespearien. sam., 28 févr. 2026 15:46:30 +0100 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3356 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3363 In his review of 2012 Much Ado About Nothing (directed by Iqbal Khan for the Royal Shakespeare Company), prominent theatre critic Michael Billington compared it unfavourably to John Barton's 1976 production. Both productions transposed the action to India; while Barton’s was set in colonial India with an all-British cast, Khan’s moved the scene to contemporary India with all Brasian actors.2 Like Billington, this essay also compares the two RSC productions. Zooming in on the portrayal and reception of Dogberry (whose inability to master the English language is mined for comedy in this play) and the rest of the watch, this essay demonstrates that Khan’s production challenged long-standing orthodoxies in the representation of Indians. After studying the reviews of these productions, the essay argues that we need to pay attention to the dearth of diverse voices among Shakespeare reviewers in the UK today. Dans son article sur Much Ado About Nothing monté par Iqbal Khan (Royal Shakespeare Company, 2012), Michael Billington, le célèbre critique dramatique, disait lui préférer l’interprétation de John Barton datant de 1976. Les deux mises en scène transposaient l’action en Inde ; alors que Barton plaçait l’action dans les Indes coloniales avec une distribution d’acteurs britanniques, Khan situait la pièce dans l’Inde actuelle avec des acteurs britanniques d’origine indienne. Comme le compte-rendu de Billington, cet article compare les deux mises en scène de la Royal Shakespeare Company. En se concentrant sur l’interprétation et la réception de Dogberry (son incapacité à maîtriser la langue anglaise est source de comédie dans cette pièce) ainsi que des autres membres de la Patrouille, cet article démontre que la mise en scène de Khan défiait des lieux communs anciens en ce qui concerne la représentation des Indiens. Après étude des articles rendant compte de ces deux interprétations, cet essai montre que nous devons prêter attention au manque de voix diversifiées parmi les critiques de théâtre dans la Grande-Bretagne d’aujourd’hui. sam., 28 févr. 2026 15:46:41 +0100 https://lodel.appli.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=3363